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Vor knapp einem Jahr, am 25 Mai, habe ich ein Review des letzten “Star Trek” Films gepostet, nachdem ich den Film erstmals im Kino gesehen hatte. Letzte Woche hab’ ich mir den Film nochmals auf DVD angesehen, komplett mit Wiederholung für den Audiokommentar. Es war der Versuch einer Versöhnung, weil es halt nun mal Star Trek ist und eine Fortsetzung ja schon in Arbeit ist (die Webbeweise dazu möge jeder selbst ergooglen). Read the rest of this entry »

Jepp, ein letztes Mal vor dem Jahreswechsel möchte ich euch einen tollen Film aus diesem Jahr ans Herz legen. Der Film heißt in Deutschland aus unerfindlichen Gründen Radio Rock Revolution (OT: The Boat that rocked) und ist das letzte Machwerk von Regisseur Richard Curtis (bekannt durch Vier Hochzeiten und ein Todesfall, Notting Hill, Bridget Jones aber auch Serien wie Mr. Bean und Blackadder). Neben

Der Film spielt Ende der 1960er Jahre auf einem Schiff in der Nordsee wo eine Gruppe verrückter Radiomoderatoren den Piratensender Radio Rock betreibt. Das Phänomen der Piratensender, die beinahe überall von der gesamten Bevölkerung heimlich gehört werden und eine fanatische Fangemeinde haben, stört die Regierungsbehörden, die fieberhaft nach einer Möglichkeit suchen, die Sender zu verbieten und stillzulegen.

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Auf dem Boot spielen die Radio-DJs um Manager Quentin (Nill Nighy) die großen Rock-Hits der Sechziger rauf und runter, legen reihenweise Groupies flach und haben auch sonst viel Spaß auf hoher See. Da passt es eigentlich nicht wirklich, dass der 18-jährige Carl (Neffe von Quentin) von seiner Mutter auf das Boot geschickt wird, um einen klaren Kopf zu bekommen. Dort lernt er die farbenfrohen Charaktere wie den Count (Philip Seymour Hoffman) oder David (Nick Frost) kennen. Währenddessen arbeiten Minister Dormandy (Kenneth Branagh) und sein Lakai Titten (Jack Davenport) an einem Gesetz zur Elimierung der Piratensender.

Es handelt sich um eine britische Komödie mit entsprechend schwarzem Humor in kleinen Episoden und viel Musik. Der große Plot ist eigentlich nicht so bedeutsam, außerdem ist der Film zu gut zum Spoilern. *g* Für Freunde und Fans der Serie The IT-Crowd soll erwähnt werden, dass Chris O’Dowd im Film den Radiomoderator ‘Simple’ Simon spielt und Katherine Parkinson die lesbische Köchin Felicity. Der Film lebt von seinem außergewöhnlichen Ensemble und dem britischen Flair der Komik, aber er hat auch seine dramatischen Höhepunkte. Für mich die größte Szene im Film ist, als Simon – nachdem er von einer Frau verlassen wurde – zu Beginn seiner Radiosendung das Lied Stay with me baby mimisch interpretiert. Aber es gibt sicherlich genug andere Höhepunkte für jeden. *g*

Der Film ist mittlerweile schon als DVD verfügbar mit Audiokommentar und nahezu einer Stunde an entfallenen Szenen, die wirklich toll anzuschauen sind. Ebenso lohnt sich meiner Meinung nach auch der Soundtrack (Doppel-CD) mit Klassikern von u.a. The Kinks, Jeff Beck, The Who, Procol Harum und Jimi Hendrix. Wer diese Standardwerke der Rockmusic noch nicht besitzt, hat hier eine gute Möglichkeit einzusteigen. Groovy!

Mein nächster Post wird dann wohl der obligatorische Jahresrückblick.

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• Insert Caption: Pirate Radio (cinematical.com)
• Interview: Pirate Radio Writer-Director Richard Curtis (cinemablend.com)
• Dan Persons: Mighty Movie Podcast: Pirate Radio Part 2: Philip Seymour Hoffman, Bill Nighy, Richard Curtis (huffingtonpost.com)
• Five Radio Flicks That Rocked the Big Screen (cinematical.com)

Well, I just returned from cinema where I watched the latest installment of the Harry Potter series – known as “Harry Potter and the Half-Blood prince” in the original (=non-localized) version. I will first try to say something about the movie itself and then come to two thoughts that crossed my mind after I watched it.

Instead of doing a review-like article – which I usually write – I’d like to try out a more ‘ethnographical’ approach and describe the audiences’ reaction to the movie as I observed it including my own reactions. I try to be as non-spoilerish as possible. First of all, I don’t know the books. That’s probably important to know because the climax of the movie – which really is a low point moodwise – and other information is known to those watching the movie with the book in the back of the head. I didn’t have that but I watched the five movies – in order – during the first halve of this year to prepare for the sixth thereby seeing the fourth and fifth movie for the very first time.
As this picture was featured on several occasions across the media, I knew it would be much darker and dense which is building upon the mood that was created during the last movie. The whole series took a spin to a more serious tone which I like very much as in my opinion the plot scheme became to obviously repetitive and boring with the third movie.
However, there was much laughing during the show, sometimes shortly after very dramativ parts, so the movie manages well to some how linger between this serious tone and humorous relief. Love is a big subject in the movie, as all the main characters are involved in relationship troubles, and it’s the main thing that counters the rather dramatic, even shocking events during the second half of the film enough to still keep the audience from being totally depressed after watching. The movie never really reaches a light or too funny tone or to say it differently, there always is some hint that something dark and evil is coming. All the colours are pretty cold, all the characters are kind of darker, there are no children anymore – although of course there are some because it’s a school but they’re left out – they all have aged and this is also referred to in certain dialogue sentences. The relationship between Harry and Dumbledore is played out very detailed and certainly is the mysterious role of Severes Snape. Jim Broadbent in the role of Professor Slughorn is a great addition to the cast, his character has both a rather funny and a very dramatic side.

Image by Pessimist Huang via Flickr

During the movie I could not hear much talking – although there were not that many people in the room – nor eating and drinking which I find a sign that a movie really catches an audience well. I myself nipped on my cola only during the break. In the end when you-know-who is killed there was dead silence in the cinema, although I had been told that it would happen, I still found myself surprised, shocked and – by the end – exhausted. I think it’s a great movie, probably better than certain other episodes from the series, but of course it has the privilege to build upon all the things – characters, story, look, relationships – established during the other five movies. You should watch those before seeing this one. This movie already was quite long – as I mentioned there was a 10-minute break, so i spent about 3 hours in cinema – and you may have already heard that the last book will be made into two movies coming in 2010 and 2011.

This brings me to my first thought which is rooted in a more common observation: Serials are big in the media nowadays! (No, I could not come up with something more obvious!) I’m not sur since when, might be the early days of mass media or even earlier but I find this interesting to see. Be it movies, tv shows, books or computer games – they all are more and more relying on the premise ‘to go on’ or ‘to be continued’. There are of course economic reasons for this but it strikes me as being merely the symptom because those products wouldn’t be commercially successful if people wouldn’t want to see them. I wondered – as I was confronted with the perceived insecurity of our modern world as an academic subject during the past year – whether we actually want our virtual media worlds to deliver a kind of anchor, reliability and continuity that we miss in our real world. My place, my time and my life-parameters in the real world can be changing – and they do – but the patterns in my favourite sitcom(s), soap opera(s), movie(s) or game(s) are always the same or they change quite slowly. Also if they change, the change is controlled and never to overwhelming. Especially with “Harry Potter” it’s pretty obvious. The movies grow with their audience, children who have seen the first movie in 2001 are teenagers or young adults by now and the whole franchise is build to grow with them. This seems to be important. Many older franchises from the 70s or 80s (Star Trek, Star Wars, Battlestar Galactica, just to name a few) were relaunched to connect with old and new audiences raising awareness for the old stuff in young people and continue nurturing the already existing audience. It’s a bit like grandpa telling stories to the young ones at the firesite in the evening but adding new parts to the narration everytime to keep it interesting. There are probably people already analysing this phenomenon, perhaps I should research that a little. Maybe this is a reason why makers of serials become more courageous in truly continuing story arcs over many episodes like the ones found in tv shows like Lost, Heroes and Babylon 5 or movies like Matrix and Lord of the Rings. And maybe it explains why those are so enormously successful.

"Choice" by anajazz65@flickr.com

The second thought came to me because of a certain sentence that was said in the movie – if you’re bored by know please don’t continue – which I can’t recall exactly but it was something like ‘If we don’t make the choices in our lives our fate will be completely lost to chance.’ It probably sounded better than that. However the point is that it reminded me of discussions I had with people whether there is something like fate and our life is determined or whether there’s something like chance and so we have the ability to actually make profound choices and therefore steer our life ourselves. I usually argue that I don’t think chance exists – in form of a law of nature, as most people imagine it – but life’s parameters are just to complex for us to grasp so we can’t know or for the most part explain why things happen the way they do. Just because we don’t know the reasons or the chain of causality it doesn’t mean there is none. Which is basically an argument I borrowed from religion where god exists although we have no proof of that because we can also not prove he’s not there.
I’m not trying to make a point here, I was just wondering about the oddity of the thought that we put so much effort in our choices – so much in fact, that the freedom of choosing is no longer making us happy as Barry Schwartz explains in his book -  because we expect them to shape our future and then there is at least the possibility that – maybe – they don’t really matter as much as we believe.

WARNUNG: Dieser Beitrag ist NICHT Spoilerfrei sondern nimmt dezidiert Inhalte des besprochenen Films vorweg, wenn sie den Film also nicht gesehen haben udn sich den Spass nicht verderben wollen, lesen sie einfach nicht weiter.

Mit etwas Verspätung bin ich dann gestern doch einmal ins Tschinema gegangen, um mich mit dem neuen “Star Trek”-Film mit dem unsubtil-offensichtlich-neu-definitorischen Titel “Star Trek” sowohl inhaltlich als auch formal auseinanderzusetzen. Ich bin großer Star Trek – Fan, mit TNG aufgewachsen und war spätestens mit Ende des Teenagerzeitalters komplett im Star Trek – Universum sozialisiert. Insofern war meine Ausgangsmeinung eher kritisch, zumal der letzte Star Trek Streifen (“Nemesis”) zwar gute Momente hatte, mich insgesamt aber doch sehr enttäuscht hatte.

Die Kunde verbreitet sich ja rasend schnell im Internetzeitalter und ich hatte also schon aus diversen Quellen positive Kritiken vernommen, freute mich also durchaus auf den Film und auch darüber, die englische Originalversion zu konsumieren. Synchronisation wirken immer ein bißchen entrückt zumindest wenn man die Möglichkeit hat mit den Original zu vergleichen, weswegen ich bisweile gleich darauf verzichte und mich lieber damit abfinde, dass ich bestimmte Sätze erst beim zweiten Mal komplett verstehe. Manchmal.

Die Sprache sollte sich aber im Verlauf auch gar nicht als so großes Problem erweisen, denn die Dialoge sind durchaus nicht das Herzstück des neuen “Star Trek”s. Die Geschichte ‘kurz’ umrissen:

In der Zukunft (24. Jahrhundert, also zu Zeiten von Picard und Co.) ist Spock Botschafter bei den Romulanern, warnt diese vor dem drohenden Kollaps der Sonne und will zu deren Rettung vulkanische Technologie einsetzen. Große Unterstützung erfährt er dabei nicht, nur ein junger Captain eines Bohrschiffes ist von seinen Absichten überzeugt. Jener Captain (“Nero”) bringt Spock nach Vulkan, der bedient sich eines neuen Schiffes und sogenannter “roter Materie” und macht sich auf, die Supernova aufzuhalten, weil sie auch den Rest des Quadranten bedroht. Doch die Tragödie nimmt ihren Lauf, die Sonne wird zur Nova, Romulus wird zerstört. Nero schwört Rache an Spock, baut sein Schiff um und malt sich das Gesicht an, während Spock seinen Auftrag ausführt, nur eben etwas zu spät. Beide werden durch das Schwarze Loch unabsichtlich in die Vergangenheit versetzt, wo sich dadurch eine alternative Zeitlinie etabliert. - Dieser Teil der Geschichte kann im Star Trek – Countdown Comic detailliert nachgelesen werden, er wird im Film selbst auch eher undeutlich rekonstruiert. -

Nero greift die U.S.S. Kelvin an, auf der George Kirk kurzerhand zum Captain wird und die gesamte Besatzung, unter ihnen seine Frau mit dem noch ungeborenen James T. Kirk, rettet, indem er selbst zurückbleibt und die Kelvin mit dem Feindschiff kollidieren läßt. Wir werden Zeugen wie Kirk auf der Erde und Spock auf Vulkan aufwachsen, beide als  Außenseiter in ihren jeweiligen Welten, wie beide zur Sternenflotte kommen und sich dort begegnen. Von Freundschaft kann keine Rede sein. Sprung, schon muß die brandneue Enterprise (unter Captain Pike)  ihre Jungfernfahrt zur Verteidigung des Planeten Vulkan antreten, der von Neros Bohrschiff angegriffen wird. Trotz spektakulären Einsatzes von Kirk (erster Offizier nicht Captain) und der restlichen Crew, wird Vulkan mittels der “roten Materie” ebenfalls spektakulär zerstört, Spock (jetzt Captain, weil Pike von Nero gefangen) kann seinen Vater aber nicht seine Mutter retten. Kirk und Spock streiten sich über den Fortgang der Mission, Spock setzt Kirk außer Gefecht und läßt ihn auf einem Eisplaneten zurück(!) wo er erst den Zukunfts-Spock (Leonard Nimoy) und dann Scotty trifft, letzterer beamt ihn und sich nicht aber den alten Spock auf die Enterprise (während Warpgeschwindigkeit!). Kirk provoziert Spock -jung-, der muß daraufhin den Stuhl räumen, Kirk ist Captain und befiehlt das Bohrschiff anzugreifen. In einem furiosem Endkampf sabotieren Kirk, Spock et al das Schiff, verhindern den Untergang der Erde und retten den Tag. Letztendlich begegnen sich noch der alte und der junge Spock, Kirk wird offiziell Captain der Enterprise und das Ende ist offen. Puh.

Ja, das ist echt viel Story für einen einzigen Film und so hetzt man auch von einem Plotpunkt zum nächsten. Die Bildinszenierung unterstützt das auch durch wesentlich hektischere Actionszenen, die den Film weitgehend dominieren. Der Look ist gut, nicht un-trekkisch auf alle Fälle, viele Aspekte der klassischen Serie wurden wenn auch modernisiert übernommen, hier gibt es nichts zu meckern. Anders bei der Story, es gibt immer wieder Situationen die arg konstruiert wirken, man bemerkt unangenehm, wie J.J. Abrams da offenbar eine mentale Strichliste abgearbeitet hat. Viel steckt drin, darum auch einige schöne Momente, und das Filmerlebnis ist überaus atemberaubend, visuell wie akustisch. Doch am Ende des Tages stellen sich dem Zuschauer Fragen: Bei all dem Stress, was ist eigentlich der Payoff? Vulkan zerstört, die Zeitlinie offenbar permanent verändert, alles ist anders, aber heißt das auch besser? Und: Ist das jetzt Star Trek? Um es kurz zumachen, ich denke: Nein. Und das hat man ja auch im Vorhinein kommuniziert, ein Film für alle sollte es werden, für neue Fans, mehr wie Star Wars, massenkompatibler, weniger verkopft und intellektuell. Hmm, aber ist nicht genau das die Essenz von Star Trek?

Erfolg ist wichtig, zweifellos, und das eine Neuauflage alter Inhalte großartig klappen kann, hat man bei Ronald D. Moores ‘reimagined’ Battlestar Galactica sehen können. – Moore war übrigens ein wichtiger Autor für Star Trek TNG, DS9 und Voyager. Wer hätte das gedacht… – Ich glaube aber, Star Trek ist eben nicht Star Wars. Star Trek verkörpert die Idee von Gene Roddenberry, dass der Mensch sich in einer nahen, vorstellbaren Zukunft nicht nur technologisch sondern auch als Gesellschaft, Gemeinschaft und Rasse weiterentwickelt. Star Trek ist Hoffnung und hat nicht nur die Welt des Films sondern die ganze Welt entscheidend beeinflusst. Es war immer eine Parabel auf unseren Planeten und seine Mißstände, oft mit deutlichen Verknüpfungen und politischen Auseinandersetzungen. Und Probleme löste man nicht – oder nicht nur – mit dem Phaser, sondern durch Verstehen, Denken, Selbsterkenntnis und, oh welch’ ein Frevel, in dem man Dialoge führte. Auch gerne mal während man sich beschoss. Star Wars hat durchaus auch eine Geschichte zu erzählen, aber im Vergleich zu den meist profunden moralischen Erkenntnissen aus Star Trek, den über Jahrzehnte ausgestalteten Charakteren und den üblicherweise eher sinnbildlichen Kämpfen, ist diese schlicht volkstümlich und simple Unterhaltung. Durchaus wie die vom neuen “Star Trek”-Film.

Der Kunstgriff ist hier in der Tat, alles Bekannte explizit beiseite zu schieben und aus Versatzstücken ein neues Franchise zu kreieren, mit dem man ein neues Publikum erreicht und Geld verdienen kann. Das kann man aber eben, wie BSG zeigt, auch mit intelligenten Geschichten und ohne so durch den Plot zu hetzen. Letztlich ist der -vermutlich- erste Film des neuen Star Trek Universums eine zweistündige Exposition, es geht primär um Kirk und Spock und um die Etablierung einer neuen Basis, einer neuen Bildsprache, eines neuen Kontextes. “Star Trek” wie wir es noch nie gesehen haben, war das Versprechen. Irgendwas-das-entfernt-an-Star-Trek-erinnern-könnte wurde geliefert. Man hat auch durchaus einige Perlen für Fans in den Film eingestreut (z.B. spricht Majel Barett Roddenberry zum letzten Mal den Schiffscomputer der Enterprise), aber das Gefühl der Hoffnung, die positive Idee von einer Zukunft, in der die Menschen besser sind, daran konnte der Film zumindest für mich nicht anknüpfen. Zugegeben, es ist ein schweres Erbe, aber vielleicht hätte man weniger Wert auf die Effekte und mehr Wert auf eine Geschichte legen sollen, die des Franchises würdig ist.

Als letzte Note bleibt auch die Musik von Michael Giacchino (u.a. “Ratatouille”) stark hinter den tollen Soundtracks von Alexander Courage (welcher wenigstens zitiert wird),  oder Jerry Goldsmith zurück, mehr Percussion als alles andere, bombastisch wie das visuell omnipräsente Linsenflimmern, aber letztlich nicht markant, erhaben oder irgendwie emotional. Ich hoffe, dass “Star Trek” in Zukunft die neue Dynamik mit der alten Bedeutungshaftigkeit verknüpfen kann, solange scheint mir aber die Arbeit am Franchise noch in der Beta-Phase und das Universum ist, wie die frühen Trailer des Filmes es formulierten, noch “Under Construction”.

Fazit: Toller Sound, tolle Effekte, tolles Popcorn-Kino, wenig Star Trek

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• Star Trek – Worth the Buck? (mexiabill.wordpress.com)
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Ja, viel Zeit ist schon ins Land gegangen seit meinem letzten Post. Was ist passiert seitdem?

Nun:

Wie schon an anderer Stelle berichtet, war der Magdeburger Open Source Tag recht erfolgreich. Ein Resultat aus den vielen inspirierenden Vorträgen und Gesprächen war die Idee, ein Stadtwiki für Magdeburg und Umgebung ins Leben zu rufen. Dafür gibt es schon relativ viel Vorbilder wie beispielsweise das Stadtwiki Pforzheim Enz, das Karlsruher Stadtwiki oder auch das Rhein-Neckar-Wiki. Relativ schnell fanden sich interessierte Magdeburger und Fans der Stadt, die das Projekt angepackt haben und mittlerweile sind in etwa zwei Wochen schon 150+ Artikel entstanden. Die sind üblicherweise noch relativ kurz, darum sind wir für Unterstützung mehr als offen. Wie in jedem guten Wiki ist der Zugang frei, es ist kein Login nötig um sich als Autor zu betätigen. Geht einfach auf http://www.magdewiki.de. Nahezu jedes Thema, das irgendwie einen regionalen Bezug aufweist, hat einen Artikel bei uns verdient. *g*

Momentan bemühen wir uns einen Verein zu gründen, wir suchen noch nach einem Logo und auch sonst ist reichlich zu tun. Für mich als Forscher im Bereich Web 2.0 ist das natürlich in doppelter Hinsicht spannend zu beobachten, weshalb ich sicherlich an dieser Stelle regelmäßig über unsere Fortschritte berichten werde.

Ferner war ich am Sonntag ENDLICH im Kino um den letzten Pixar-Film anzugucken. Ich hatte mir lange vorgenommen “Wall-E” zu schauen und mir sind auch nur positive Reviews begegnet. Und tatsächlich, wie eigentlich bei Pixar fast üblich, ist der Film nicht nur ein Augenschmaus (toll gerenderte Trickfilme gibt’s ja nun schon von mehreren Studios) sondern erzählt auch eine wirklich tolle Story. Wall-E ist ein Roboter, eine intelligente Müllpresse und er räumt die Erde auf. Allein wohlgemerkt, denn die Menschen haben den Planeten, den sie Jahrtausende lang vermüllt haben, längst verlassen und planen erst zurückzukehren, wenn hier wieder Leben möglich ist. Bei seiner Arbeit findet und sammelt Wall-E Devotionalien der Menschen, kleine Dinge, Filme, Musik und andere kulturelle Artefakte. Eines Tages kommt eine Sonde (EVE genannt) auf die Erde, in die sich Wall-E verliebt. Wie er ihre Aufmerksamkeit erringt, warum er dann den Planeten verläßt und was das alles für die Menschheit bedeutet, schaue man sich unbedingt im Kino an.

Das tolle an Wall-E ist, dass der Film über weite Strecken nur durch Bilder, Musik und Geräusche kommuniziert, denn Wall-E kann nicht sprechen (bis auf seinen und den Namen der Angebeteten). Damit lassen die Macher erstmals wirklich Raum das Bild sprechen zu lassen, eine Option, die Filmemacher (im populären Film) seit es den Tonfilm gibt ja eher vernachlässigen. Trotzdem ist der Film urkomisch, man verliebt sich nach wenigen Minuten in die Charaktere und darüberhinaus stimmt er auch noch nachdenklich. All die Qualitäten eines guten Pixar-Filmes sind da und ich wage zu behaupten, dass es vielleicht der bislang beste Streifen seiner Art ist. Darum kann ich an dieser Stelle eine uneingeschränkte Empfehlung aussprechen, eigentlich müßte es sogar eine Befehlung sein, also: Ab ins Kino! Wer diesen Film nicht sieht, darf diesen Blog einen Monat lang nicht mehr lesen…

In weiteren Lebensfragen:

Amazon hat mir gerade mitgeteilt, dass meine DVD-Box “Der kleine Vampir – Die komplette Serie (4 DVDs)” unterwegs ist. Außerdem hab’ ich hier noch “Garden State” liegen, worüber ich, so glaube ich, noch nicht gebloggt habe, was definitiv nachzuholen ist. Ansonsten reichlich mit Uni-Projekten ausgelastet und das obwohl ich’s doch eigentlich erstmal ruhiger angegen lassen wollte. Finanzkrise macht sich für mich gar nicht bemerkbar (wer nichts hat…), am Bahnhof mehr Kunden als sonst üblich am Ende des Monats, wahrscheinlich weil sie ihr Geld nicht auf die Bank tragen. Aber interessant, wie im Angesicht der Krise (die ich im Baudrillardschen Sinn fast als Simulation wahrnehme) alle sofort wieder bereit sind Freiheiten aufzugeben, vor allem wenn es nicht die eigenen sind. Die Menschen…

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Wenn es ein Thema gibt, das zumindest in der breiten Öffentlichkeit immer noch tabuisiert wird, dann ist es der Tod. Womöglich ist der allgemeine Dialog dazu heute schon viel eher möglich als noch vor 50 Jahren – erst vor kurzem hatte ich eine Postwurfsendung meines lokalen Bestattungsunternehmens im Briefkasten -, allerdings ist meine Beobachtung, dass beispielsweise die Ladenfront eines Bestatters in etwa so aussagekräftig neutral ist wie die eines Geschäftes für Erotikartikel. Wenn nicht noch weniger, denn bei Beate Uhse stehen zumindest spärlich bekleidete Frauen im Schaufenster, während beim Bestatter nicht einmal aktuelle Sargmodelle zu sehen sind. Dabei geht es doch eigentlich um ein Thema, das nun wirklich jeden angeht, denn das Ende des Lebens steht uns letztendlich allen bevor.

Filme zum Thema Tod gibt es wahrscheinlich reichlich – was kein Widerspruch zum ersten Absatz darstellt, wenn man sieht, wie verzerrt das Thema häufig dargestellt wird-, aber “Das Beste kommt zum Schluss” (Original: “The Bucket List“) sticht für mich aus dem Hollywoodrepertoire zu diesem Thema heraus, auch weil er das Thema Tod durch Krankheit aufgreift. Zwei älteren Herren erkranken schwer an Krebs und teilen sich unfreiwillig ein Krankenzimmer. Da ist zum einen der Automechaniker Carter Chambers (Morgan Freeman), der seit langem glücklich verheiratet ist und eine große Familie hat und zum anderen der Milliardär Edward Cole (Jack Nicholson), dem neben diversen Krankenhäusern so ziemlich alles gehört, was man für Geld kaufen kann, der vier Mal verheiratet war und eine Tochter hat. Die beiden begleiten sich gegenseitig auf ihrem Leidensweg während ihrer Behandlung und Chemotherapie, freunden sich dadurch an und erfahren ebenfalls zusammen, dass sie nur noch wenige Monate, vielleicht ein Jahr zu leben haben.

Sie entschliessen sich kurzer Hand eine Liste zu schreiben mit allen Dingen, die sie in ihrem Leben noch erleben wollen. Angefangen mit einem Fallschirmsprung jetten die beiden durch die Welt um ihre Liste abzuarbeiten, sie gehen auf Safari, erklimmen die Pyramiden von Gizeh und fahren Motorrad auf der chinesischen Mauer. Carters Frau ist von der ‘Flucht’ ihrer Mannes überhaupt nicht erfreut und versucht alles, ihn wieder zur Rückkehr zu bewegen. Letztendlich beendet Carter die Reise dann und kehrt zurück, dabei arrangiert er aber noch ein Treffen zwischen Edward und seiner einzigen Tochter, mit der er sich vor langer Zeit zerstritten hatte. Edward ist davon überhaupt nicht begeistert und sie trennen sich im Streit.
Kaum zuhause angekommen bricht Carter dann wieder zusammen und muß zurück ins Krankenhaus.

Das Ende wird wie üblich hier nicht verraten, der Film ist absolut sehenswert, wie ich finde, auch wenn er vielleicht in Strecken manchmal recht schmalzig wird. Letztendlich ist es eine ruhige Geschichte mit zwei herausragenden Darstellern, denen die Rollen auf den Leib geschrieben sind (oder anders herum, um die man die Story herum geschrieben hat). Nicholson spielt den nervenden, sarkastischen weißen Milliardär mindestens genauso überzeugend wie Freeman den klugen, erfahrenen farbigen Arbeiter. Den Gegensatz der Hautfarbe braucht man so wahrscheinlich nur für das amerikanische Publikum, er hat eigentlich für die Geschichte sonst wenig Bedeutung und das ist auch gut so. Der Hollywoodpathos ist im Film denn auch etwas abgeschwächt, das absehbare Ende wird nicht verborgen und es gibt keinen Versuch, mit einem Twist, das Unvermeidliche vor dem Zuschauer zu verbergen. Die einfache Botschaft macht für mich dann auch die Faszination des Filmes aus: Wie gestalten wir unser Leben und was ändert sich, wenn man definitiv weiß, dass es bald endet? Ich finde das deshalb so wichtig, weil Filme, die sich damit beschäftigen entweder sehr bedrückend und beklemmend sind oder das Thema stark überzeichnen (mir fällt da jetzt als Beispiel “Knockin’ on heavens door” ein) und damit im Grunde überschreiben. Das Gefühl hatte ich bei “Das Beste kommt zum Schluss” nicht, der Film bedient sich einiger sehr eindrucksvoller Bilder ist aber sonst lobenswert zurückhaltend.

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In der Realität findet man leider nur selten vergleichbare Denkanstösse, eben weil Tod und Sterben offenbar nicht-öffentlich verhandelt werden. Eine prominente und wirkungsvolle Medienerscheinung war beispielsweise die “Last Lecture” mit dem Titel “Really Achieving Your Childhood Dreams” von Universitätsprofessor Randy Pausch, der die Aufmerksamkeit, die sein Vortrag weltweit erregte, noch miterleben konnte, bevor er im Juli diesen Jahres an seiner Krebserkrankung starb. Oder auch George Carlin (habe ich auch drüber gebloggt), der in seinem letzten Bühnenprogramm -aber auch vorher schon- noch bissig über den Tod philosophiert hat.

Ich finde der Tod sollte nicht unnötig mystifiziert oder abstrahiert werden, wie es häufig in den Medien geschieht, es geht dabei um etwas grundlegend Menschliches und durchaus Persönliches, ein Aspekt, der nur zu gern maskiert wird. Derzeit scheint es einen Hang zu übernatürlichen Ansätzen mit Bezug auf den Tod in TV-Serien zu geben, als da wären “Ghost Whisperer”, “Dead Like Me – So gut wie tot” oder auch “Six feet under” (liegt schon etwas zurück). Auf der anderen Seite wird der – dann richtig – Tote verdinglicht wie in den diversen CSI-Klonen, so dass wiederum überhaupt kein Selbstbezug möglich ist. Der Tod wird in den Medien so oft und so abstrakt simuliert, dass er ein Simulakrum bleibt, bis er einen selbst trifft. Ich denke, dass da gesellschaftlich doch einiges aufgearbeitet werden muss, schon allein, weil das Bewußtsein und der Repekt (nicht Angst, wie so stark verbreitet) vor dem bevorstehenden Tod meiner Meinung nach ein wichtiger Einfluss auf die Art sein kann und sollte, wie wir unser Leben führen. Es ist sicher nicht leicht, sich dem zu nähern aber in kleinen Schritten ja offenbar immer möglicher, siehe “Charlotte Roche unter Bestattern” (lief am 1.10. um 23.14 auf 3SAT). Vielleicht ist das Ziel der gesellschaftlichen Akzeptanz erst dann näher gerückt, wenn es auf Pro Sieben den “Sarg-Report 20XX – so sterben die Deutschen” gibt und in einer Reality-Soap ein Krebskranker 24/7 mit der Kamera begleitet wird. Ich bin mir sicher, dass Pläne für beide Formate schon in irgendwelchen Schreibtischen auf die Produktion warten.

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Achtung, dies ist ein nahezu spoilerfreier Artikel.

Ich bin wieder mal im Tschinema gewesen – wow, schon zwei Besuche in zwei Wochen – und diesmal trug mich ja eine wahre Welle des Hypes dorthin, denn Christopher Nolans “The Dark Knight” hatte im Vorfeld schon – gelinde gesagt – einiges an Aufmerksamkeit erregt.
Zunächst mal starb bekanntermaßen Hauptdarsteller Heath Ledger, der den Joker spielte, nur wenige Monate nach Ende der Dreharbeiten unter eher unschönen Umständen (unglückliche Kombination verschiedener Medikamente). Dies schürte verschiedene Gerüchte und die Tragik seines Todes trug sicher nicht unerheblich zum noch nicht ganz geborenen Mythos des Filmes bei, lange bevor er veröffentlicht war. Kumuliert mit der eh schon gespannten Erwartungshaltung auf den neuen Batman-Film, nachdem Nolan das Franchise mit einer doch sehr neuen Interpretation des dunklen Ritters basierend auf den Comics von Frank Miller erfolgreich wiederbelebt hatte, führte dies dazu, dass der Film der erfolgreichste Filmstart aller Zeiten (in den USA) werden konnte. Bis zur Veröffentlichung hier in Deutschland schwappte der Hype schon mal über den Atlantik und folglich war ich auch eher etwas skeptisch, ob der Film dem überhaupt gerecht werden kann, zumal die Geschichte um den Joker und Batman ja schon einmal von Tim Burton anno 1989 inszeniert worden war.

Die Geschichte kurz angerissen:

Batman (Christian Bale) arbeitet nachts daran, Gotham City vom Gesindel zu befreien, Staatsanwalt Harvey Dent (Aaron Eckhart) verfolgt das gleiche Ziel, allerdings tagsüber. Dent ist auch mit Bruce Wayne’s Ex-Freundin Rachel Dawes (Katie Holmes Maggie Gyllenhaal) zusammen. Während die Stadt nicht so richtig weiß, was sie von ihrem dunklen Ritter halten soll, der sich auch nur nicht an das Gesetz hält, arbeitet lediglich Jim Gordon (Gary Oldman) mit ihm zusammen, um die Mafiaorganisation der Stadt zu überführen. Währenddessen taucht ein neuer Verbrecher, der Joker (Heath Ledger) auf, der sich mit seinen Diebstählen hervor tut. Er schlägt den Mafiabossen der Stadt vor, Batman für sie zu töten und verlangt dafür die Hälfte ihres Vermögens, welches ein verbrecherischer Geschäftsmann aus Hong Kong vor der Gothamer Polizei in Sicherheit gebracht hat. Diese willigen ein und der Joker kündigt eine Mordserie an, bei der er jeden Tag einen Menschen tötet, solange Batman nicht seine wahre Identität preisgibt. Nachdem es nicht gelingt, die ersten Morde zu verhindern, bereitet sich Bruce Wayne darauf vor das Geheimnis zu lüften, denn unter anderem stehen auch Staatsanwalt Dent und Rachel auf des Jokers Abschussliste.

Bis hierhin ist der Film inhaltlich eher unspektakulär (das war ungefähr die gefühlte Hälfte) und obwohl opulent inszeniert, hervorragend gespielt (besonders tatsächlich Ledger, der ganz klar der eigentliche Hauptdarsteller ist) und gut erzählt, fand ich, dass der Film seinem Ruf nicht gerecht wird. Wie gesagt,bis hierher, denn man kann wohl sagen, dass dies lediglich die relativ lange Exposition ist, der Film nimmt ab hier mehrere sehr spannende wie geniale Wendungen, Hauptcharaktere sterben und es ist wohl nicht zuviel verraten, dass neben der Vogelscheuche (kurz am Anfang) und dem Joker noch ein dritter Schurke – “Two Face” – auftaucht. Mehr kann ich an dieser Stelle kaum verraten, ohne wichtige Überraschungsmomente zu zerstören.

Der Film, der mit seiner düsteren Atmosphäre jeden anderen aus der Reihe in den Schatten stellt, ist im Ganzen sehr bodenständig und subtil, insbesondere für eine Comicverfilmung. Batman spielt wie gesagt nur die zweite Geige und muss sich die auch noch mit Bruce Wayne in Reinform teilen, weil er tagsüber ja nicht umherfliegen kann. Die Rollen von Batman und Wayne scheinen (wie schon in Batman Begins) nicht so klar getrennt zu sein, wie in den ersten vier Filmen, was dem Ganzen mehr Tiefe und eine neue Definition hinzufügt. Das in “Batman Begins” zerstörte “Wayne Manor” ist immer noch zerstört, Wayne hat eine Stadtwohnung, die Bathöhle ist eher unspektakulär pragmatisch, ebenso die Spielzeuge (neuer Anzug, auch neu: das BatPod). Der Fokus liegt klar auf den Figuren. Der Joker ist – bei aller Gewalt oder Action, die es trotzdem gibt – ein psychologischer Gegner und insofern wird auch auf beiden Ebenen opulent gefochten, anders noch als bei Nicholsons Joker, der partiell auch ein kaltblütiger Clown war, ist der Filme bis auf wenige konterkarierende Komikmomente sehr ernst.

Ledger gibt einen Psychopathen, frei von Moral, aber auch eine Art Eulenspiegel, der den Menschen ihre angeblichen Wertvorstellungen und Ethik durch Umkehrung und Gegenbeweis vorhält. Wie erhandelt läßt sich nicht mit Logik erklären. Der Film hat auch einen kurzen Big Brother / Krieg gegen den Terror – Kritikmoment, als Batman/Wayne selbst von seinem Ausrüster Lucius Fox (Morgan Freeman) unbemerkt eine Technologie entwickelt, um alle Mobiltelefone der Stadt abzuhören und den Joker ausfindig zu machen. Fox weigert sich weiterzuarbeiten, solange diese Technologie existiert, Wayne kontert, er habe nur ihm die Kontrolle über das System zugedacht und am Schluss wird das Ganze nach erfülltem Zweck dann auch vernichtet. Nicht unbedingt so subtil wie der Rest des Filmes, aber ein durchaus wichtiger Denkanstoss.
Dass der Film die erfolgreichste Batman-Verfilmung ist, liegt also nicht nur am Tod eines der Hauptdarsteller, es ist wirklich ein überragender Film, der es verdient hat. Neben der fast schon selbstverständlichen visuellen Brillianz – erstmals wurden vier Actionszenen eigens im IMAX Format gedreht und werden in entsprechenden Kinos in voller Größe gezeigt – spielt der Film geschickt mit seinen Figuren und der Glaubwürdigkeit, die ihm die Inszenierung verleiht. Und Batman ist kein Held, zumindest nicht der einzige, auch wenn am Schluß hollywood-typisch ihm die Sympathie gilt. Er wird mehr als einmal im Film hinterfragt, nicht zuletzt in den Zwiegesprächen zwischen Alfred (Michael Caine) und Wayne, die im Grunde inneren Dialoge sein könnten. Aber Christopher Nolan gelingt es Batman, den Superheld ohne Superkräfte (vom Reichtum mal abgesehen), in eine glaubwürdige, der Wirklichkeit sehr nahen Welt zu packen, die auch eine Rolle spielt. Anders als in Fantastic Four, wo die Reaktion der Leute auf die Helden unheimlich albern und entrückt wirkt, gelingt es in “The Dark Knight” den Kontext für die Geschichte bedeutsam zu nutzen, beispielsweise wenn mutige Menschen durch ihre Familien angreifbar werden oder Interessen gegeneinander ausgespielt werden.

Die Musik, wieder von Hans Zimmer und James Newton Howard komponiert, ist sehr pointiert mit wenigen, zentralen Themen und wird ergänzt durch simple, spannungsgeladene Rhythmen. Es ist eigentlich in weiten Teilen weniger Musik als minimalistische musikalische Soundeffekte, sie spielen im Gegensatz zu anderen Filmen keine durchgängige eigene Rolle sondern ergänzen die Optik (und die Bässe haben ja ohnehin eher haptischen Charakter).
Richtig erschreckend sieht übrigens “Two Face” aus, dessen halbe Gesichtshälfte ja durch einen Brand stark verletzt wird, dagegen wirkt Tommy Lee Jones Make-Up in “Batman Forever” wie eine schlechte Maske. Da hat die Special Effects Abteilung ganze Arbeit geleistet.

Ich muss mir den Film sicher noch einmal anschauen, aber er hat schon einen tiefen Eindruck hinterlassen und ich möchte mal behaupten, das ist der neue, sehr hohe Maßstab für Comicverfilmungen. Und natürlich wird schon über eine mögliche Fortsetzung diskutiert, obwohl man bezweifeln kann, dass dieser Film noch übertroffen werden kann.

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